Ene 18

El festival Hybrid acogerá en febrero las propuestas artísticas más experimentales

NANI F. CORES

  • Esta feria de arte se celebrará en el hotel Petit Palace Santa Bárbara de Madrid entre el 23 y el 25 de febrero.
  • Participarán 33 galerías, colectivos y espacios híbridos de España y otros cinco países (Alemania, Italia, Reino Unido, Suiza y Venezuela).

'Oblivion', de Carlos Rodríguez Casado

Febrero es, por tradición, el mes de las ferias de arte en Madrid. En la segunda quincena del mes que viene confluirán en la capital citas muy eclécticas como ARCO, Art Madrid, Urbanity y la que hoy nos ocupa: Hybrid Art Fair & Festival, que basa su razón de ser en la exhibición de las propuestas artísticas más experimentales.

“Son propuestas que sirven para mostrar nuevos lenguajes y formas de creación que pretenden ir más allá de la temporalidad de un evento de tres días. La hibridación de disciplinas, el contraste entre la poca visibilidad que pueden llegar a tener algunos proyectos y su perdurabilidad artística o el potencial expositivo para desenvolverse en un espacio que no está concebido para la exhibición son referencias constantes para el equipo curatorial de la feria y se ven reflejados en la selección final de proyectos participantes”, dicen sus organizadores.

Uno de los puntos más originales de esta feria es que no se realiza en ningún museo, galería o espacio al uso para este tipo de eventos, sino que reconvierte en sala de exposiciones las habitaciones de un hotel, el Petit Palace Santa Bárbara, generando un diálogo muy peculiar entre las obras y los espectadores.

Hybrid apuesta por hacer convivir durante tres días (del 23 al 25 de febrero) proyectos alejados de los circuitos tradicionales con otros consolidados que presentarán sus propuestas más arriesgadas. En esta segunda edición participarán 33 galerías, colectivos y espacios híbridos de España y otros cinco países (Alemania, Italia, Reino Unido, Suiza y Venezuela).

Apoyo al arte emergente

Se podrán contemplar los trabajos más recientes de artistas de cierto renombre como Ileana Pascalau, Carlo Miele, Lucy Vann, Fausto Amundarain, Tamara Jacquin, Miguel Scheroff y Sanja Milenkovich; pero también de artistas emergentes cuyas carreras no han hecho más que despegar. De esta manera, gracias al programa de apoyo a la cultura impulsarte by Petit Palace Hoteles, cinco jóvenes artistas seleccionados entre un total de 23 tendrán la oportunidad de exponer en una de las habitaciones del Santa Bárbara: Miguel Ángel Cardenal, Arturo Comas, Haalimah Gasea Ruiz, Elisa González y Miguel Alejos Parra.

Además, a través de un acuerdo entre Hybrid Art Fair & Festival, el Consorcio de Cultura de la ciudad de Sheffield (UK) y el Arts Council England, se podrá disfrutar por primera vez en España del trabajo de artistas jóvenes de esa región de Reino Unido, quienes mostrarán sus obras a través de dos proyectos participantes (Bloc Project y Labrador). 

La feria completa su programación con diversas actividades paralelas: mesas redondas, debates, conciertos y performances.

Source: 20′ Cultura

Ene 18

Lucrecia Martel, una directora de cine contra el mito de la esperanza como algo bello

DANIEL G. APARICIO

  • Este viernes se estrena ‘Zama’, la cuarta película de Lucrecia Martel.
  • La prestigiosa cineasta ha visitado España para promocionar el filme, que está nominado al Goya a mejor película hispanoamericana.
  • Ha hablado con ’20minutos’ sobre su forma de ver el cine, la estructura narrativa impuesta porm Hollywood y la relación de las mujeres y el cine, entre otros temas.

Lucrecia Martel

Nueve años han pasado desde que la argentina Lucrecia Martel, una de las directoras de cine de mayor prestigio internacional, estrenara su última película, La mujer sin cabeza (2008). Ahora, casi una década después, vuelve al cine con Zama, un filme que gira en torno a la figura de un oficial español del siglo XVII que espera pacientemente su traslado de Asunción a Buenos Aires en reconocimiento a sus méritos.

A Martel le sorprende que todos los periodistas le pregunten por esta larga pausa, “quizás porque visto desde afuera parece que uno debiera filmar películas”, pero para ella “nunca ha sido una compulsión”. “Filmo cuando me parece que tengo algo para filmar, mientras, trato de vivir de otra cosa. No hago cine para ganar plata. En el medio estuve haciendo otras cosas muy divertidas para mí que quizás no son importantes públicamente”, revela a 20minutos.

“Nunca llego a filmar tan seguido como para sentirme una profesional, siempre me siento muy amateur, y eso tiene ventajas”. La principal, según la directora, es poder trabajar “sin pretensiones, tomando más riesgos”.

Y los riesgos los toma, ya que sus largometrajes están muy lejos del cine de masas y los cánones narrativos de Hollywood.”En Zama hay como cuarenta productores, porque ya nadie quiere poner mucha plata, arriesgarla con películas que saben que pueden ser difíciles para la explotación comercial”, confiesa.

El filme está basado en la obra homónima de Antonio Di Benedetto, una novela en forma de monólogo interior, y no tiene una estructura narrativa convencional sino que juega con las sensaciones, las imágenes evocadoras y secuencias en las que conviven la decadencia, el surrealismo e incluso lo cómico.

La cineasta trata de “construir esos artificios que son las películas con un sistema con el que se pueden ver cosas que son difíciles de ver con la otra narrativa”. “La otra narrativa te obliga a una visión del mundo muy concreta tipo acción, reacción. A mí eso no me sirve para las cosas que quiero contar”, explica Martel.

“A mí me sirve construir las escenas no apoyándome tanto en el argumento sino en muchas cuestiones pequeñas, de actuación, de luz, de cámara, de elección de los objetos… para que el espectador se sienta en un universo particular y quizás dejando tiempo para que aparezca algo, una chispa. Pero es un esfuerzo en gran parte condenado al fracaso, porque ese algo a veces aparece y muchas veces no”, confiesa.

La directora reniega de la idea de que los libros más argumentales son los mejores para hacer una adaptación cinematográfica: “hay un montón de libros que salen y ya sabes que va a haber una película, porque yo creo que el que lo escribe está tratando de hacer una película, pero después como lenguaje literario no pasa nada”.

“El tratar de convertir una novela en una película es una idiotez, a mí siempre me lo pareció, pero otra cosa es cuando una novela te toma de tal manera que te parece que hay algo de lo que te produjo a vos que lo puedes transmitir, y entonces usas hechos de la novela y también otros para transmitir ese algo que te transmite la novela, que no es el argumento, es otra cosa, es algo sobre la vida, sobre la historia de la humanidad”, reflexiona.

Zama trata, principalmente, sobre el poco sentido que tiene la esperanza, la idea de que “algo de tu sufrimiento, de tu esfuerzo, va a tener un sentido al final, y eso hace que no valga nada el tiempo presente”. “Poner la zanahoria tan lejos hace que se desvalorice la experiencia del día a día, y eso se nota mucho en nuestra cultura. Pensemos que quitamos eso de nuestra cultura, que el sufrimiento no tiene sentido. Sería otro mundo. En cambio, el mundo de la esperanza justifica un montón de cosas. Eso es lo que dice Zama, es mejor no tener esperanza y vivir mejor. Si todo fuera más el presente seríamos mucho más cuidadosos, con uno mismo y con los otros”, cuenta.

De este modo, Lucrecia Martel se posiciona como una figura cinematográfica casi opuesta a lo que suele llamarse “la industria del cine”. No solo por su estilo, sus motivaciones y pretensiones sino también por el simple hecho de ser una mujer directora que ha logrado reconocimiento en todo el mundo. Sobre esta escasez de directoras, tiene claro que el origen se encuentra en “una matriz cultural que se creó hace mucho, que lleva tanto tiempo instaurada que está naturalizada, que casi no se ve”.

“Natalie Portman tiene que hacer un chiste para que uno vea parte de esa matriz cultural, hay que patear el tablero para ver que estamos metidos en esta sopa”, comenta en relación al comentario feminista que hizo la actriz en los pasados Globos de Oro (“y estos son todos los hombres nominados” [en la categoría de mejor director]).

Martel cree que la supremacía masculina en los festivales de cine, a los que asegura que detesta ir, radica en que muchas de las películas que se proyectan allí tienen tienen “un sustento narrativo que está un poco de acuerdo con esa matriz que ha puesto al hombre en un mejor lugar”. “Entonces, la construcción narrativa de una película está tan en consonancia con esa matriz que obviamente los de esa matriz van a elegir esa película, y naturalmente va a haber más varones, y ese cine conforma la sociedad y todo es como una rueda que… Natalie Portman va a tener que estar todos los días haciendo un chiste para que nos demos cuenta de que estamos en esa rueda. Y ella misma, cuando envejezca y empiece a hacerse cirujías para ser eternamente joven y deseable -espero que no le pase eso- va a caer en esa matriz cultural de ser la mujer deseada -ojalá que no-“.

“¿Y qué vamos a hacer?, ¿poner una pistola para que elijan a las mujeres? Yo me sentiría despreciada como directora si me eligiesen porque faltan mujeres y no porque aprecien lo que hago. Lo que hay que intentar, o lo que yo intento con mi trabajo público, es no avalar esa matriz cultural. El cine no es una cosa que cambie el mundo rápidamente, lo hace lentísimamente o no lo cambia. En lo que sí me siento comprometida y hay que actuar rápido y frenarlo como podamos es la violencia de género, porque eso sí es un espanto. No podemos esperar a que cambie la matriz, que será un proceso lento, porque no va a quedar ni una mujer viva”, concluye contundente.

Source: 20′ Cultura

Ene 18

Retiran de Spotify una canción de funk brasileña por apología de la violación

EFE

  • La plataforma había recibido numerosas denuncias contra el contenido del tema ‘So surubinha de leve’, de Mc Diguinho, lanzado el pasado mes de septiembre.
  • ‘Dale bebida / después introdúcele el pene / déjala en la calle’, dice la letra.

Mc Diguinho

La canción funk So surubinha de leve, del brasileño Mc Diguinho, fue retirada este miércoles de Spotify después que la letra fuera duramente criticada por algunos usuarios por apología de la violación.

Spotify recibió varias denuncias en su canal sobre el polémico contenido de la canción y la plataforma de música en streaming relató las quejas a la distribuidora, que se comprometió a retirarla, según un comunicado.

“El catálogo de Spotify está abastecido por centenares de miles de discográficas, artistas y distribuidoras en todo el mundo. Ellos son debidamente avisados sobre nuestras directrices y son responsables por el contenido que entregan”, señaló Spotify.

La canción, lanzada en septiembre en la plataforma musical SoundCloud, figuraba en algunas de las principales listas de música de Brasil en Spotify hasta este miércoles.

El cantante ha sido duramente criticado por internautas en las redes sociales debido al duro contenido de sus canciones, especialmente So surubinha de leve, que en español podría traducirse como “Sólo orgía pequeña”. “Dale bebida / después introdúcele el pene / déjala en la calle”, dice la letra.

“No voy a parar”

Otra cuestionada canción que todavía se encuentra en algunas plataformas de música en streaming es Vai fazer a fila (Ve a hacer la fila, en español), del cantante MC Denny, que habla de forma explícita sobre el sexo no consentido.

“Voy a tocar tus genitales sin parar / y si pides que pare, no voy a parar / porque has resuelto venir a la base para tener sexo / entonces ven aquí, si quieres, vas a aguantar”, señala la canción de MC Denny.

El funk brasileño es un género nacido en la década de los 90 en las favelas de Río de Janeiro, pero con el tiempo ha salido de las comunidades más pobres de Brasil y ha alcanzado un amplio mercado musical, siendo uno de los géneros más escuchados en el país suramericano

Source: 20′ Cultura

Ene 17

Piden que la obra de Aleixandre sea declarada Bien de Interés Cultural y salvar su casa

EFE

  • La presentación de ‘Poesía completa’ se ha convertido en una reivindicación.
  • “Madrid va a ser la ciudad Inditex porque sus referentes culturales van desapareciendo”, denuncian.

El poeta Vicente Aleixandre

La presentación de Poesía completa de Vicente Aleixandre se ha convertido en una reivindicación de protección de su legado, tanto de su obra, para la que se ha pedido la declaración de Bien de Interés Cultural (BIC) “para que no salga de España”, como de su vivienda en la calle Velintonia de Madrid.

El presidente de la Asociación de Amigos de Vicente Aleixandre, Alejandro Sanz, ha compilado para Lumen la obra del poeta andaluz añadiendo siete poemas inéditos, y este miércoles ha aprovechado su puesta de largo en la Real Academia de la Lengua, a la que perteneció Aleixandre, para plantear una doble demanda a la que, hasta ahora, las instituciones no han prestado atención, según ha criticado.

“Nuestras instituciones públicas desprecian su legado”, ha clamado Sanz, quien ha recordado que la asociación que preside lleva “23 años reclamando que salven su casa” en el número 3 de la antigua calle Velintonia, donde vivió desde 1927 hasta su muerte en 1984 y por la que pasaron cinco generaciones de poetas como Miguel Hernández, García Lorca, Rafael Alberti, Pablo Neruda, Luis Cernuda, Dámaso Alonso, Claudio Rodríguez y Jaime Gil de Biedma.

La intención no es hacer una casa-museo, sino hacer de ella la Casa de la Poesía, “un centro vivo, de investigación, presentación de libros, conciertos; en Europa se construyen, aquí tenemos una y se olvida”, ha lamentado el escritor.

Sanz ha resaltado que las “connotaciones históricas” de Velintonia son “innegables”, “al margen de su arquitectura o de si está vacía”. “Si hace falta llevo parte de mi archivo”, ha propuesto quien ha criticado a los poderes públicos por su “ignorancia y desprecio a la cultura”.

Bien de Interés Cultural

Para el grueso de la obra del Nobel de Literatura (en manos de la viuda del escritor Carlos Bousoño, Ruth Crespo) ha pedido la Declaración de Bien de Interés Cultural (BIC) para que “no salga de España y que no pueda haber una venta inmoral“.

Por ello, aunque Poesía completa es hasta el momento la compilación más exhaustiva de la obra de Aleixandre, “el gran poeta del amor”, su responsable ha reconocido que “sólo será completa cuando su archivo esté a disposición pública”.

A la espera de una reunión que pidieron con el actual ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, el presidente de la Asociación de Amigos de Vicente Aleixandre ha lamentado que “Madrid va a ser la ciudad Inditex, porque todos sus referentes culturales, los que dan sentido a una ciudad, van desapareciendo poco a poco”.

Source: 20′ Cultura

Ene 17

Artium consagra su programa de 2018 a Brossa, Menchu Lamas, Ruiz de Infante y Olga Mesa

NANI F. CORES

  • Gracias a su colaboración con MACBA, la antológica ‘Poesía Brossa’ podrá ser disfrutada en Artium a partir del mes de mayo.
  • Por su parte, el proyecto ‘Carmen // Shakespeare’ de Ruiz de Infante y Mesa aborda el tema del amor a través de un arquetipo de ficción y otro real.

Sin título, de Menchu Lamas. 2017

El 2018 arranca en Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, con un adelanto de su programación para esta temporada que “toma como referencias el análisis de la creación contemporánea, la investigación y difusión de los distintos lenguajes del arte y el diálogo entre la creación local con el contexto global“.

Siguiendo estas pautas, el museo ha programado para este año una exposición conjunta de Francisco Ruiz de Infante y Olga Mesa, una selección de pinturas de la artista gallega Menchu Lamas, una retrospectiva de Joan Brossa (gracias a la colaboración del centro con el MACBA de Barcelona) y dos nuevas muestras que toman como punto de partida la propia colección de Artium.

El programa arrancará el próximo 26 de enero con Carmen // Shakespeare. Presagios del deseo, una evolución del proyecto que Ruiz de Infante y Mesa desarrollan desde 2012. Se trata de un complejo montaje de instalaciones y vídeo-instalaciones que abordan el tema del amor a partir de un arquetipo de ficción, que representa Carmen, y otro real, que es Shakespeare. La exposición, que sus propios autores definen como un “laberinto expositivo” se divide en cuatro partes: seducción, conflicto, pérdida y muerte; y contará con diversas acciones durante los meses de su estancia en Artium: performances, conferencias preformativas, montajes escénicos… Tras su clausura en Vitoria podrá verse también en el Centro de Arte Tabacalera de Madrid.

Un mes después, el 2 de marzo, se inaugurará la primera de las dos exposiciones que el museo realizará a partir de su propia colección. El arte (actos 1 y 3) se centrará en piezas que han ingresado en los fondos del museo en los últimos tiempos, algunas hace pocos meses. La muestra quiere servir de encuentro con el futuro mediante obras de artistas jóvenes y permanecerá abierta al público hasta el 2 de septiembre.

Ese mismo mes, el día 21, tomará el relevo una nueva presentación de la Colección que ocupará toda la Sala Sur y cuya estancia se prolongará hasta el verano de 2019. Todavía se encuentra en fase de preparación.

Poesía en imágenes

A finales de mayo, llegará otra importante muestra al Artium, Poesía Brossa, que se materializa gracias a la colaboración con el MACBA y podrá disfrutarse hasta el 23 de septiembre. Este proyecto supone una revisión exhaustiva de la carrera del artista y con él ambos museos se adelantan a las celebraciones del centenario del nacimiento del poeta catalán (2019). Reúne 800 obras y abundante documentación, en un recorrido que muestra la consolidación de su lenguaje artístico a través de sus investigaciones plásticas, poesía, teatro, cine y las artes de acción.

El programa de grandes exposiciones se completará en octubre con una exposición dedicada a la pintora gallega Menchu Lamas, fundadora del colectivo Atlántica y cuya obra forma parte de la Colección Artium desde mediados de los años 80.

Por su parte, la Biblioteca de Artium completará la programación con dos exposiciones bibliográficas: Poesía visual, que coincidirá con la muestra de Joan Brossa y la celebración del Día Internacional del Libro (20 abril); y Vida en viñetas, sobre el género biográfico en el cómic (16 de noviembre).

Source: 20′ Cultura

Ene 17

Cuatrocientos Madelman llegan al Museo Nacional de Antropología

EFE / JOSÉ CARLOS RODRÍGUEZ

Madelman

“Lo pueden todo”. Ese era el lema de los Madelman, los muñecos de acción de los años 70 que hicieron felices a miles de niños españoles y que ahora vuelven con una colección de más de 400 figuras al Museo Nacional de Antropología con motivo del 50º aniversario de su lanzamiento.

Será el próximo 31 de mayo, fecha que coincide exactamente con el 50º aniversario del lanzamiento del juguete, cuando el museo, que dirige Fernando Sáez Lara, inaugure una muestra con la colección más completa del universo Madelman, en la que se establecerá un diálogo entre los juguetes y el contexto socio-cultural en el que surgieron.

Los asistentes podrán contemplar la colección de José Manuel Cortés, que presenta “de forma exclusiva” una recopilación en la que se incluirán aproximadamente 400 figuras junto con los complementos, presentados de forma cronológica y acompañadas de carteles y vídeos explicativos.

En 1968, en un contexto de revoluciones contraculturales, en las que la clase media comenzaba a destacar como dominante y España se abría definitivamente a Europa y al mundo, los Madelman transformaron la industria juguetera para siempre.

Su inventor, Josep María Arnau, de Industrias Plásticas Madel, vio el éxito que tenían los muñecos de acción en Estados Unidos y decidió que España tenía que tener el suyo propio: una figura masculina, un man, articulada en 23 piezas con apenas 17 centímetros de altura y con músculos por todos lados.

Desde la famosa “caja roja” individual, que contenía un muñeco y complementos, hasta las “misiones completas” que incluían varias figuras con accesorios de campaña o safari, los Madelman acompañaron a miles de niños en España durante unos años en los que el país comenzaba a cambiar a pasos agigantados.

Un repaso antropológico

Los muñecos y los niños a los que acompañaron durante su crecimiento, serán los protagonistas de una exposición que hará un repaso antropológico de los cambios introducidos por el juguete en los años setenta.

Se trata de una mirada expositiva y analítica sobre el mundo de los Madelman que incluirá, además de los aspectos técnicos e industriales de los muñecos, las implicaciones que trajo en la vida diaria y en la sociedad, desde el cambio de rol que supuso que los chicos jugasen con muñecos hasta la actualización de diferentes estereotipos sociales.

A pesar de que su desarrollo fue todo un hito, en 1983 dejaron de fabricarse debido a dificultades económicas y a la competencia con otros juguetes como los clicks de Famobil.

A mediados de los 80, Exin trató de revitalizar la figura de acción con los Madelman 2050 pero no llegó a tener éxito y debido a la crisis, la compañía finalmente desapareció.

Sin embargo, Altaya y Popular de Juguetes volvieron a traer en 2002 las figuras a modo de coleccionables para los más nostálgicos, como Cortés, que asegura que algunas de las piezas se subastan por 7.000 euros.

Innovador y democratizador

“Hoy en día lo que funciona es el mercado audiovisual y la interactividad”, asegura a EFE Cortés, que, a pesar de que no cree que los Madelman puedan resurgir en la actualidad, no se resiste a seguir coleccionándolos y buscar espacios en los que exhibirlos.

Parece que el momento del Madelman fue otro, reconoce Cortés, y que su misión como juguete innovador y democratizador ya está cumplida.

No obstante, y gracias a iniciativas como las del Museo de Antropología, existe una oportunidad para que quienes jugaron con ellos “vuelvan a vibrar con su niño interior” y reconozcan, entre la colección, aquel Madelman con el que imaginaron mil aventuras.

Source: 20′ Cultura

Ene 17

El Ballet Nacional celebra sus 40 años con una gira internacional

EFE

  • El BNE viajará por Estados Unidos, Colombia, Francia, China y Japón.
  • Su objetivo es “acercar la danza a todos”, explica su director.

40 Aniversario Del Ballet Nacional De España

El Ballet Nacional de España (BNE) cumple en 2018 cuarenta años de su fundación y, para celebrarlo, hará una gira internacional que comenzará en marzo y pasará por Estados Unidos y Colombia, entre otros, según informa la compañía en una nota.

“La danza española es un claro exponente de una de las mayores riquezas culturales de nuestro país, que triunfa allá donde se presente y que llega al corazón de los espectadores de todo el mundo”, asegura el director del BNE, Antonio Najarro, en el comunicado.

Para celebrar el cumpleaños, el Ballet Nacional hará una “gala especial” con sus mejores coreografías; lanzará un programa de becas para bailarines; editará un libro diseñado por Bernardo Rivavelarde y el primer videojuego de danza española.

“El objetivo claro de nuestro Ballet Nacional de España en este año clave es conseguir acercar la danza a todos“, añade Najarro.

El BNE viajará, a partir de marzo, a Estados Unidos, Colombia y Francia y cerrará su gira internacional en octubre con actuaciones en China y Japón.

Los comienzos del ballet se remontan a 1978, cuando Antonio Gades (1936-2004), su primer director, hizo un proceso de selección de 36 bailarines para crear una compañía nacional de danza española que sintetizara “los bailes populares, las danzas regionales, el baile flamenco y la Escuela Bolera”.

Source: 20′ Cultura

Ene 17

Verónica Echegui: "No hemos avanzado tanto como creemos en el tema del machismo"

EFE / MAGDALENA TSANIS

  • La actriz protagoniza ‘Me estás matando Susana’, una película latinoamericana que habla sobre el machismo.
  • “Si yo hubiera sido víctima de algo así, lo habría denunciado”, asegura.

Verónica Echegui

Verónica Echegui y Gael García Bernal viven una relación marcada por la obsesión y la dependencia en Me estás matando Susana, una comedia romántica dirigida por el mexicano Roberto Sneider que pone sobre la mesa el tema del machismo y que llega este viernes a los cines españoles.

Basada en la novela Ciudades desiertas de José Agustín, la película cuenta la historia de Eligio, un actor que vive de fiesta en fiesta y que emprende un viaje para recuperar a su novia, aspirante a escritora, que lo abandona un día sin dar explicaciones.

Él es un macho cabrío y ella en lugar de ponerle un límite, huye”, describe la actriz, que considera positivo que el debate sobre el machismo esté más de actualidad que nunca, aunque “no hemos avanzado tanto como creemos” al respecto.

“Ha saltado la alarma, pero es una cuestión de base, nuestros sistemas educativos son muy pobres y la educación emocional no forma parte de la enseñanza pública, quizá porque no conviene”, reflexiona Echegui (Madrid, 1983), que alcanzó la fama con el personaje de La Juani.

Preguntada por la fuerza relativa con que ha llegado a España la onda expansiva de la campaña contra el acoso sexual emprendida en Hollywood a raíz del caso Weinstein, Echegui ve positivo que se haya iniciado un movimiento en el que se da espacio a las víctimas para poder hablar sin sentirse repudiadas.

“Eso es vital, pero es cierto que aquí no han salido nombres en casos de acoso grave. Si yo hubiera sido víctima de algo así, lo habría denunciado, pero no me ha sucedido. Sólo una vez un productor me tocó el culo y le monté un pollo delante de todo el mundo, que el tipo se quedó avergonzado”, relata.

En todo caso, puntualiza, “en Estados Unidos el sindicato de actores es mucho más potente, tienen más poder en todos los aspectos y eso ayuda”.

“Lo dejé todo”

Como el personaje que encarna en Me estás matando Susana, Echegui asegura que varias veces en su vida lo ha dejado todo para marcharse a otro lugar.

“Con 21 años me fui a México y con 24, después de El patio de mi cárcel lo dejé todo y me fui a Inglaterra a trabajar de camarera, estaba un poco superada, necesitaba hacer otra cosa, pasé allí cinco meses y luego me ofrecieron hacer Verbo y volví”, cuenta.

En su opinión, ese tipo de “huidas” sirven para ver qué es lo que no está funcionando en tu vida. “Por mucho que te vayas a la otra punta del mundo, si tienes problemas van a estar ahí cuando vuelvas, pero es bueno tomar perspectiva y entender qué esta fallando”, considera.

Me estás matando Susana es la primera película latinoamericana de Echegui, una oportunidad que surgió, según cuenta, porque el propio García Bernal conocía su trayectoria y sugirió su nombre al director.

La actriz madrileña ha estrenado también este otoño la serie Apaches en Netflix y después en Antena 3, y está terminando de rodar su personaje en la serie Trust que dirigirá Danny Boyle para esa misma plataforma, junto a Donald Sutherland y Hilary Swank, y que se centra en la historia del clan de los Getty.

“Rodar con Danny Boyle ha sido una gozada y un privilegio; en las horas de descanso, en vez de irme al camerino me ponía detrás en el combo, me pegaba como una lapa, para aprender”, asegura la actriz, que en marzo volverá a las tablas del Pavón con la obra El amante.

Source: 20′ Cultura

Ene 17

Chevi Muraday: "Arruínate como yo cuatro veces por la danza en un país que la aniquila"

PAULA ARENAS

  • “Es bastante devastador enfrentarte a esta historia y lanzarte sin paracaídas”, dice el bailarín y coreógrafo que celebra 20 años de compañía con ‘Black Apple’.
  • “Hay textos que ahora empiezo a vocalizar sin que se me quiebre la voz”.
  • “Cada vez que me subo a un escenario me la juego”.

Chevi Muraday

Cierra desde este 16 de enero hasta el 23 del mismo mes Chevi Muraday la celebración del vigésimo aniversario de su compañía, Losdedae, subiendo a escena de la sala Margarita Xirgú del madrileño Teatro Español el brutal montaje Black Apple y los párpados sellados. Un montaje que surge en un punto que no desarrolló Camus en La peste.

¿Cómo se le ocurrió esta pieza?
Tras leer La Peste. Camus no desarrolla la historia del matrimonio Castel; los deja cuando cierran la ciudad de Orán, infectada por la peste, y ella decide volver. ¿Por que vuelve si puede morir por la peste? Nosotros lo desarrollamos donde lo deja Camus: no pueden salir de sus casas, no hay qué comer, solo ratas, pero no pierden su dignidad.

¿Cómo de devastador es meterse en esta historia?
Es bastante devastador enfrentarte y lanzarte sin paracaídas. Tiene una exigencia muy bestia que hace que tengas que estar de verdad. Si no, no es creíble.

¿Cuántas teclas le ha tocado?
Muchas, porque los dos personajes están construidos desde nuestras vivencias y tienes que hurgar en lugares muy incómodos. Hay textos que ahora empiezo a vocalizar sin que se me quiebre la voz. Había cosas conectadas a mi vida que no podía ni decir. Lo que sucede es muy bestia. Tengo muchas ganas de bailarlo en este teatro.

¿Tiene un significado especial para usted?
Sí, yo pasaba por delante de este teatro todos los días con 15 años. Vivo solo desde entonces. Trabajaba en una discoteca y tras dormir dos horas iba a estudiar danza. Todos los días pasaba por delante del Español. Vivía en esta calle, Príncipe. Es muy emocionante y gratificante, porque cuando te ves en el cartel sabes que lo has hecho tú mismo.

Y solo, aunque sea una compañía, porque ha sido un empeño personal…
Si algo tengo, es que yo voy poco a poco y me tropiezo constantemente, pero siempre continúo.

¿Un canto al amor esta obra, aunque sea tóxico?
¿Por qué vuelve la señora a Orán si sabe que está infectado todo por la peste? ¿Es por la necesidad de estar con su pareja aunque no pueda estar con él y a la vez no pueda vivir separada? Así que sí, es una declaración de intenciones: es un vamos con todo.

Un «me la juego» en toda regla, ¿cuántas veces se la ha jugado usted?
Cada vez que me subo a un escenario. Salgo con contracturas, físicas y emocionales. Y esta toca lugares que tenemos casi todos muy protegidos. Esos lugares que no queremos tocar.

Esta pieza va directa a todos esos sitios, los que hayan renunciado a alguna pasión van casi a llorar viéndolo.
No sé, es muy catártico. Para mí lo ha sido.

¿Nota al público?
Cuando contienen la respiración, cuando lloran, cuando sufren…

¿Y mira a la cara?
Sí, rompemos la cuarta pared. A mí me interesa mirarte a la cara, llegar a esa cercanía bestia de milímetros. Me aporta muchísimo decirte el texto mirándote a la cara.

¿Damos por perdido un teatro para la danza?
Me parece triste y patético. No hay un compromiso hacia la danza, y no solo porque no haya un espacio. Es que no hay lugar en la sociedad española para la danza y eso teniendo una embajadora como la danza española…, que no la hay en otro lugar del mundo. Es un país mutilado.

¿Culturalmente mutilado?
Hay un interés en estrangular la cultura como sea.

¿Qué se lleva de estos 20 años?
Me han servido para encontrar el sitio. Es un darte cuenta, un decirte: Llevo ya 20 años de compañía privada de danza contemporánea en España. Pienso: hazlo tú, cuando alguien me dice algo. Apuesta tú por la cultura en este país, arruínate tú y toda tu familia, embarga todos los bienes.

¿Ahí es donde uno sale y dice: vamos, si ya lo perdí todo?
Me he arruinado cuatro veces, y he vuelto a apostar. ¿Por qué? Pues porque yo tengo que hacer lo que de verdad quiero.

Source: 20′ Cultura

Ene 17

El realizador Stanley Kubrick, gran protagonista de la temporada expositiva del CCCB

NANI F. CORES

  • La muestra es un completo y fascinante viaje a las entrañas de su filmografía en la que se podrán ver guiones, bocetos, documentos, material de investigación, fotografías, piezas de vestuario y accesorios.
  • El centro de cultura también acogerá en 2018 la exposición ‘La luz negra’, que explora las tradiciones secretas en el arte desde los años 50.

Stanley Kubrick y Tom Cruise en el rodaje de 'Eyes Wide Shut', 1999

“Una película es (o debería ser) como la música. Debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción, el sentido, después”. La frase, pronunciada por Stanley Kubrick, resume el sentido último de su cine: el de hacedor de emociones. Una exposición en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) intentará el próximo otoño acercarnos a este gran genio del séptimo arte, tan complejo como admirado por varias generaciones de espectadores.

Concebida por el Deutsches Filminstitut de Fráncfort en estrecha colaboración con la esposa del realizador Christiane Kubrick, su cuñado el productor Jan Harlan y The Stanley Kubrick Archive at University of the Arts en Londres, la exposición es un completo y fascinante viaje a las entrañas de su filmografía en la que se podrán ver guiones, bocetos, documentos, material de investigación, fotografías, piezas de vestuario y accesorios.

Se propone un viaje cronológico a través de toda sus trayectoria profesional, desde sus años de fotógrafo en la revista Look, pasando por sus grandes hitos cinematográficos que siguen estando más vigentes que nunca –es el caso de la sátira política con catástrofe nuclear incluida de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú o el futuro y la inteligencia artificial de 2001. Odisea en el espacio– y terminando por sus proyectos nonatos –Napoleon, The Aryan Papers– o encargados a otros cineastas como fue el caso de Inteligencia Artificial en manos de Spielberg.

“Ningún otro cineasta ha encarnado mejor que Stanley Kubrick la idea del director de cine como demiurgo: un constructor de universos regidos por la idea de la perfección, en el interior de los cuales todo lo humano albergaba el potencial de lo caótico. Creador de formas obsesivo, Kubrick recorrió géneros diversos concibiendo cada una de sus películas como una arquitectura catedralicia en la que poder perderse a la búsqueda de sentidos ocultos y detalles reveladores. El cine de Stanley Kubrick no cesó nunca de ampliar las posibilidades de los géneros, desafiando tabús de representación con una perseverancia siempre ajena a la superficialidad del simple golpe de efecto”, dice el crítico de cine Jordi Costa, uno de los colaboradores de esta exposición que se inaugurará el 18 de octubre y permanecerá abierta hasta marzo de 2019.

Magia y ocultismo

Unos meses antes, concretamente el 15 de mayo, el CCCB dará la bienvenida a La luz negra, una exposición que explora las tradiciones secretas en el arte desde los años 50. “Se trata, no obstante, y a pesar de la importancia que estas ideas tuvieron para el desarrollo del arte del siglo XX de una tradición que ha sido a menudo ignorada en nuestra época a causa de la influencia dominante de los pensamientos ortodoxos racionalistas, que van del estructuralismo al marxismo, así como por la dificultad de hablar de estas cuestiones con un lenguaje claro y directo”, dicen desde el centro barcelonés.

La exposición presentará, de forma más o menos cronológica, pinturas, dibujos, películas, esculturas, fotografías, instalaciones, libros, música y documentos de artistas muy diversos como Barnett Newman, Antoni Tàpies, Henri Michaux, Kenner Anger, Alejandro Jodorowsky, Aleister Crowley, William Burroughs, Rudolf Steiner, Joseph Beuys, Francesco Clemente, Genesis P-Orridge, Matías Krahn o Joan Jonas, entre otros.

Al mismos tiempo se recorrerán temas tan diversos y generalmente tabús como la alquimia, las sociedades secretas, las corrientes esotéricas de las grandes religiones, la magia, la psicodelia y la ingesta de drogas, los mitos universales, el ocultismo y el misticismo. La propuesta también investigará y desvelará las tradiciones ocultistas y su contexto actual en la producción cultural de nuestro país.

Source: 20′ Cultura

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