Abr 19

'Segunda vez': las performances de Dora García se instalan en el Reina Sofía

20MINUTOS.ES

  • La muestra podrá verse hasta el próximo 3 de septiembre.
  • Durante estos meses se desarrollará un programa específico de performances.

Dora García. El artista sin obra (una visita guiada en torno a nada). Performance

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas. En el caso de la artista Dora García (Valladolid, 1965) estas segundas partes son, sin embargo, la oportunidad para un nuevo comienzo. La exposición que ahora le dedica el Museo Reina Sofía de Madrid, Segunda vez, toma su nombre de un relato homónimo de Julio Cortázar (la literatura es un referente constante en su obra) y de uno de sus proyectos más recientes, una serie de cortometrajes que a la vez son “remakes” de algunos de los happenings más importantes que el artista Oscar Masotta realizó en la década de los 60.

La exposición, repartida en tres espacios del edificio Sabatini, reúne una selección de los trabajos que García ha realizado desde finales de la década de los 90 hasta la actualidad e incluye películas, vinilos, dibujos, textos y, por supuesto, performances. De hecho, cuenta con un programa específico de performances que se desarrollarán hasta septiembre con la participación del público y/o performes.

El “y/o” tiene mucho sentido en este caso, ya que en la trayectoria de esta artista vallisoletana predominan dos tipos de trabajos performativos: aquellos en los que García delega y convierte a los espectadores en personajes de su dramaturgia; y otras que ejecuta como performer.

El recorrido repasa diversos referentes intelectuales que han marcado su obra. Entre ellos, la marginalidad como postura artística y manifestación radical de disidencia política; y las citas, relatos o textos de autores como Robert Walseer, James Joyce, Antonin Artaud, Ricardo Piglia, Allan Kaprow, Jacques Lacan o Franco Basaglia.

En su trabajo también es esencial la influencia de las teorías psicoanalíticas de Jacques Lacan, y el uso de la narración como mecanismo para expandir una comunidad plural de voces.

Con motivo de la exposición y la celebración de La Noche de los Libros, Dora García presenta la publicación Segunda Vez. How Masotta was Repeated, que forma parte de su proyecto de investigación en torno a la figura de Óscar Masotta (será mañana viernes 20 de abril, a las 19 h, en La Central del Museo Reina Sofía).

Source: 20′ Cultura

Abr 19

Reinventarse o morir: Las actrices de Hollywood a partir de los 40 años

CARLES RULL

  • El anuncio de Cameron Díaz de su retirada ha avivado el debate sobre las actrices de más de 40 años.
  • En contraste, el paso de los años incluso ha mejorado carreras como las de Charlize Theron o Cate Blanchett.

Actrices a partir de los 40

Hace unas semanas numerosos titulares se hacían eco de la noticia, Cameron Diaz se retiraba del cine. Fuera medio en broma o en serio, la misma Cameron Diaz, de 45 años, lo confirmaba: “Hace cuatro años que no me llegan papeles. Estoy semiretirada. De hecho estoy retirada del todo. Literalmente sin hacer nada”.

La actriz deslumbró en su debut a los 21 años, sin experiencia en la actuación, sí como modelo, con la comedia fantástica La máscara (1994) protagonizada por Jim Carrey. Algún crítico incluso llego a decir que ella era el mejor efecto visual que aparecía en la película. Desde entonces ha sido una de las más activas durante las dos últimas décadas.

La desmadrada Algo pasa con Mary (1998) fue otro de sus grandes éxitos. Sin embargo desde 2014, con la nueva versión del musical Annie no ha participado ante las cámaras en ningún otro proyecto, cinematográfico o televisivo. Puede que su decisión sea motivada por la falta de papeles interesantes que le pueden llegar o por querer disfrutar de más tiempo para su matrimonio. Cameron se casó en 2015 con Benji Madden, guitarrista y vocal de la banda de rock Good Charlotte.

Pero la noticia unida al activismo del movimiento #MeToo avivó uno de los debates que afectan a Hollywood y al mundo del cine, el de las actrices que a partir de los 40 cuentan con menos posibilidades para protagonizar interpretaciones tan relevantes como las de sus compañeros masculinos. Puede que las cosas estén cambiando ligeramente, pero en septiembre de 2016 el análisis de dos economistas, Robert Fleck y Andrew Hanssen, a partir de la base de datos del portal IMDb dictaminaba que, a partir de los 40, las tres cuartas partes de los papeles eran para los hombres.

En su detallado estudio llegaban a reflejar que las mujeres de veintitantos años acaparaban el 80 por ciento de los papeles protagonistas, a partir de los 30 años el porcentaje descendía hasta el 40 y, a partir de los 40 hasta el 20 por ciento. “Los papeles que nos ofrecen a las mujeres a partir de esta edad son más propios de ciudadanos de segunda”, llegaba a criticar la actriz Liv Tyler.

Por su parte, ejecutivos, productores o publicistas de Hollywood siempre han esgrimido un mismo argumento para defenderse, no son ellos sino el público el que es sexista. Si se trata de hacer dinero, una mujer a partir de la edad crítica vende menos. Juventud y belleza es el reclamo.

Mejorando con la edad

Otras, en cambio, parecen vivir una nueva época dorada en su carrera. La francesa Juliette Binoche a sus 54 años realiza una de sus mejores interpretaciones en la comedia romántica Un sol interior, estrenada este mes de abril en nuestros cines y dirigida por Claire Denis.

Charlie Theron, a punto de cumplir los 40, fue aclamada y en un personaje de heroína de acción en Mad Max: Furia en la carretera (2015). Su buena estrella y gancho entre los espectadores se mantiene después de estrenos como el thriller Atómica o su participación en la octava entrega de la saga Fast & Furious. Lo próximo que tendremos oportunidad de ver de ella en la gran pantalla será Tully, que aquí tiene previsto estrenarse el 1 de junio, encarnando a una peculiar niñera.

Sandra Bullock, de 53 años y encasillada durante tiempo en comedias románticas, experimentó una importante revalorización con la edad. Con 45 años, la comedia romántica La proposición, de 2009, fue todo un éxito en taquilla, y otra película del mismo año, Un sueño Posible (The Blind Side), le daría el Óscar a la mejor actriz. Repitió nominación gracias a Gravity (2013) y forma parte del estelar de Ocean’s Eight, la versión femenina de Ocean’s Eleven. Hagan juego, que se estrenará en junio.

Cate Blanchett, de 48 años, es una de las actrices que también ha ido mejorando, en cuanto a prestigio y popularidad. Nicole Kidman, a sus 50, solo el pasado año participó en cuatro películas (como La seducción, premiada en Cannes, o El sacrificio de un ciervo sagrado). Julia Roberts, también a los 50, obtuvo un buen éxito de público con Wonder, y ofertas no le faltan. Más actrices de sobras reconocidas y en plena actividad son Rachel Weisz, con 48 años, o Penélope Cruz (que cumplirá 44 este 28 de abril).

Además, está la más grande y premiada, Meryl Streep, de 68 años. Nada menos que trece nominaciones en los Óscar en los últimos 28 años (cuando cumplió los 40) y una estatuilla ganada, por La dama de hierro. Y la más reciente ganadora del Óscar, el segundo en su carrera, es Frances McDormand a los 60 por Tres anuncios en las afueras.

Cuando cumplir los 40 pasa factura

Pero ahí sigue quedando ese dato, de hace año y medio, resaltando que a partir de los 40 las actrices acceden a solo un 25 por ciento de los papeles protagonistas.

Meg Ryan, de 56 años, y una de las reinas de la comedia romántica de los 80 y 90 está prácticamente retirada; en la última década solo ha participado esporádicamente en series de televisión. Andie MacDowell, a punto de llegar a los 60, no cuenta con películas de cierto renombre estrenadas en cines desde Mis dobles, mi mujer y yo (1996) o Cuatro mujeres y un destino (1994).

Renée Zellweger tuvo su punto crítico desde 2010 a 2015, años en los que no llegó a intervenir en ninguna película, aunque lo más mediático y comentado fueron los retoques de cirugía estética que cambiaron drásticamente su rostro. Fue en 2014, cuando tenía 45 años. Dos años después protagonizaría la tercera entrega de Bridget Jones. Su próximo proyecto es protagonizar el biopic de Judy Garland.

Demi Moore estuvo tres años inactiva al llegar a esa barrera critica , desde 2003 a 2006. Su presencia en las pantallas tampoco es especialmente pródiga. Un caso similar, el de  Catherine Zeta-Jones que los 40 coincidieron con un periodo de inactividad, 2010 y 2011. Ahora, su trabajo más reciente es en la serie Cocaine Godmother: The Griselda Blanco Story.

O recordar una Melanie Griffith sin interpretaciones memorables desde Locos en Alabama (1999), dirigida por su ex Antonio Banderas (con 42 años cuando se estrenó), o La brigada del sombrero (1996).

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Vittorio Storaro y el arte del color en los recuerdos

NOELIA MURILLO

Vittorio Storaro.

El color es uno de los elementos que permanecen en la memoria de los espectadores y define, de manera general, la línea sobre la que se trabaja en una película y, en concreto, en una escena. Eso bien lo supo Stanley Kubrick en el momento en que Jack Torrance (Jack Nicholson) se encuentra con una mujer desnuda en el cuarto de baño de la habitación 237 del hotel Overlook en El resplandor (1980). También lo tuvo claro Steven Spielberg años más tarde en La lista de Schindler (1993), donde decidió incluir el abrigo rojo de una niña en mitad de su metraje bicolor sobre el horror nazi.

Con los recuerdos ha querido comenzar a explicar el cinematógrafo italiano Vittorio Storaro, quien en una conversación previa a su clase magistral en la ECAM de Madrid este miércoles ha incidido en cómo asociamos los colores a los episodios que nos marcan desde pequeños. “Todos tenemos una historia diferente y su asociación simbólica, por lo tanto, es distinta”, ha descatado el director de fotografía (que no quiere ser recordado como tal) de grandes producciones como Apocalypse Now, El último tango en París o la más cercana Wonder Wheel.

Para el cineasta, tanto sentido tiene el estudio de la luz de Isaac Newton como la forma que tiene cada uno de reconocer un color. “Todos hemos presenciado distintos acontecimientos a lo largo de nuestra vida, aunque especialmente cuando somos pequeños. Estos hechos pueden ser bonitos o dramáticos, pero desde luego nos hacen recordar un color. Por ejemplo, recordaremos un rojo por alguien que llevaba una blusa de ese color, o un verde por otro elemento en ese mismo momento”, ha explicado Storaro, quien es un creador de la imagen multitonal a pesar de haber estudiado en blanco y negro.

“Aprendí lo que sé desde el blanco y el negro. Cuando comencé mi carrera profesional, a comienzos de los 60, los técnicos del cine consideraban que con el color no se apreciaban bien las sombras y, por ello, era mejor no utilizarlo en películas dramáticas, sino relegarlo a las comedias o a los musicales”, ha rememorado el profesional que recientemente ha trabajado con Woody Allen en A rainy day in New York, de la que de momento se desconoce su fecha de estreno, si es que finalmente se lleva a la gran pantalla.

No hacerlo sería un error, el mismo que cometían los cineastas al limitar su trabajo con el color. Pero los profesionales del cine de los 70 cambiaron el rumbo de la historia del celuloide, entre ellos el catalán Néstor Almendros, perteneciente a una generación que tuvo “esa valentía o audacia de romper la dictadura de la técnica, que en realidad era pura ignorancia”, ha puntualizado el italiano.

Y, ¿cómo crear desde la nada? Storaro ha revelado que quedó fascinado con la pintura primitiva que aprendió en Yugoslavia durante un rodaje de un pequeño filme previo a El inconformista de Bernardo Bertolucci. “Aquello era una maravilla, ¡pintando sobre vidrio! Al contrario que la tela o la madera de un lienzo, el vidrio no absorbe el color y para continuar pintando una nueva capa necesitas que la anterior se seque. Eso permite colores muy vivos, muy saturados. Todo me parecía muy naíf… hasta yo lo era, ¡que no tenía ni idea de lo que estaba presenciando!”, ha comentado rememorando sus primeros pasos aprendiendo en su profesión, algo que continúa haciendo, a pesar de que el próximo mes de junio cumplirá 78 años.

Curiosidad y ciencia

Además de saber controlar las tonalidades y la intensidad del color, Vittorio Storaro es especialista en entender el tiempo que necesita el propio tiempo, así como el dejarse llevar por las sensaciones que provoca cada color en una determinada toma. “Cuando trabajé en El último tango en París empecé a utilizar colores de manera completamente diferente a las veces anteriores y, de repente, recurrí al naranja. No sabía cual era su significado pero sabía que ese color me decía algo. Era el color de Marlon Brando, el mismo que el de la caída del sol y el atardecer”.

Ese sexto sentido le llevó a desechar algunas propuestas “como El Gran Gatsby o Jesucristo Superstar” tras el caótico rodaje de Apocalypse Now junto a Francis Ford Coppola, que supuso su primer trabajo en cine americano y la vuelta a los ancestros del ser humano. “No acepté trabajar con Coppola hasta que entendí el verdadero significado de la película: no trata sobre la guerra, sino de la cultura de las civilizaciones“, ha destacado el cineasta, quien ha reconocido que en la lectura de En el corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, se dio cuenta de que esa superposición de culturas “crea cierta violencia, un principio icónico extraordinario que tenía algo que ver conmigo”.

Y el rechazo a nuevos trabajos le permitió encerrarse para estudiar, ver películas y leer artículos de ciencia para encontrar un camino teórico del camino del color. Entre estas lecturas obligadas se encontraba Platón y el mito de la caverna, que le hizo reconocer que “la belleza auténtica es que nosotros, interpretando lo que vemos, podamos reconocer una forma artística”.

El ritmo en el flamenco

Después de haber colaborado en grandes producciones como las anteriormente nombradas, así como en El cielo protector, El último emperador, Novecento, Rojos o Corazonada, no parece fácil sosprender a Storaro… pero Carlos Saura  lo consiguió. Tras un primer encuentro en Tokio, los cineastas colaboraron en varias ocasiones, comienzando con Flamenco. “Utilizaba la composición de luz, color y cámara desde un punto de vista muy específico”, ha confesado el cinematógrafo, quien ha reconocido que lo que le fascinó del director español fue el ritmo.

En una clara relación del flamenco con la simbología del hombre, la mujer, el sol y la luna perpetrados en el tiempo, Storaro ha definido ese proceso con Saura como “una revolución mental” por el uso de paneles de colores y la narración cromática no específica en sus películas.

Esa misma estructura mental en forma de rueda (y casi recordando al elemento que da título a la última película estrenada por Woody Allen con Kate Winslet como protagonista, Storaro ha querido concluir su clase magistral haciendo uso de otro de los grandes de la ciencia, Albert Einstein.

“No hay cretinos, sino genios. Si haces algo que te apela, que te llama, finalmente consigues tus sueños, tus objetivos”. Cualquiera no sigue sus palabras teniendo frente a él al genio de la ilimitada capacidad lumínica en el cine.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Jorge Martí, de La Habitación Roja, está "bien" y agradece los mensajes de apoyo

EUROPA PRESS / 20MINUTOS.ES

  • El grupo ha actualizado el estado de su cantante en su cuenta de Twitter.
  • Personalidades del mundo de la música han enviado su cariño a la banda.

LA HABITACIÓN ROJA

La tarde del martes se hizo pública la hospitalización de Jorge Marí, el cantante de La Habitación Roja, por tromboembolismo pulmonar. El grupo ha colgado en Twitter un mensaje en el que aseguran que “se encuentra bien” y permanecerá ingresado “unos días más.

Jorge Martí se encuentra “estable” y su pronóstico actualmente es “reservado”.

Desde que se supo que Jorge Martí se encontraba en el hospital, han sido muchos artistas y personalidades del mundo de la música los que se han volcado en mandar mensajes de apoyo al cantante.

En el mensaje de Twitter, La Habitación Roja también agradece las muestras de cariño: “Gracias por todas vuestras muestras de cariño y apoyo. Estamos muy agradecidos y abrumados. Jorge se encuentra bien aunque sigue bajo medicación y tendrá que estar ingresado unos días más. Un abrazo de LHR!”.

A través de esta red social se han manifestado Loquillo, Amaral, Vetusta Morla, Lori Meyers, Sidonie o Pope, bajista de Supersubmarina, grupo que aún se recuperan del accidente de tráfico que sufrieron en agosto de 2016 mientras regresaban a casa después de un concierto.

Ante la “gravedad del cuadro médico”, La Habitación Roja han suspendido los conciertos que tenían previstos esta semana en Barcelona, Valencia y Madrid para presentar su reciente nuevo disco.

“Permanecemos atentos a nuevos partes y avances de sus exploraciones médicas y esperamos comunicaros muy pronto su feliz y completa recuperación.

“En los próximos días se informará de cómo proceder con las entradas adquiridas”, termina el comunicado difundido por el grupo en la tarde de este martes.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Mónica Rodríguez y David Peña, Premios de Literatura SM 2018

EFE

  • ‘Biografía de un cuerpo’ y ‘La niña invisible’, las obras galardonadas, saldrán a la venta el jueves 19 de abril.
  • La esctitora ha creado un relato que narra “el milagro de la adolescencia”, mientras que el autor se ha basado en el feminismo para su historia.

Mónica Rodríguez

La ovetense Mónica Rodríguez, con Biografía de un cuerpo, y el madrileño David Peña Toribio, Puño, con La niña invisible, son los ganadores de la 40ª edición de los Premios SM Gran Angular y Barco de Vapor de literatura juvenil e infantil, respectivamente.

La Reina Letizia presidirá este miércoles por la tarde la entrega de los galardones en un acto que se celebrará en la Real Casa de Correos, en la madrileña Puerta del Sol.

Las obras reconocidas con estos premios, dotados con 35.000 euros cada uno, han sido presentadas este miércoles y saldrán el jueves 19 de abril a la venta.

Dirigida a lectores a partir de 14 años, la obra ganadora del Premio Gran Angular de literatura juvenil, Biografía de un cuerpo, cuenta la historia de Marcos, un estudiante de danza clásica adolescente.

Una historia en la que Mónica Rodríguez narra la pasión por la danza de este adolescente, cuyo deseo de satisfacer a su padre choca de pronto con los cambios de su cuerpo, los conflictos propios de su edad y la búsqueda de su identidad.

El jurado ha destacado la labor que ha realizado Mónica Rodríguez para “construir con gran calidad literaria un lenguaje tan exigente como eficaz y una estructura narrativa evocadora, un relato que nos habla de la pasión, el drama y el milagro de la adolescencia con personajes que discurren, como todos nosotros, entre el ensayo y el error”.

Mónica Rodríguez (Oviedo, 1969) ha explicado que para esta historia se inspiró en su hija y en su dedicación a la danza. Un esfuerzo que otros jóvenes emplean también en otras disciplinas exigentes pese a saber que unos pocos podrán dedicarse en el futuro a ellas.

El tema de fondo de su novela es, no obstante, la búsqueda de la identidad de los adolescentes y las relaciones familiares entre padres e hijos, ha indicado.

La autora ha conseguido este galardón tras ser finalista en las últimas tres ediciones y ha considerado que se trata de un “doble premio” ya que le permitirá dedicarse a tiempo completo a la escritura.

Mientras, la obra ganadora del Premio Barco de Vapor supone la “puesta de largo” de Peña Toribio, más conocido como Puño, en la novela, según ha explicado este reconocido ilustrador.

Dirigido a lectores de entre 8 y 11 años, en La niña invisible David Peña Toribio (Madrid, 1978) cuenta la historia de una niña de 10 años que se rebela contra las normas de su tribu y realiza un viaje iniciático reservado solo a los varones.

El jurado ha destacado cómo el autor ha sido capaz de crear, con un relato ambientado hace miles de años, “una historia cercana que habla de un tema muy actual, sin renunciar al lirismo y componiendo una protagonista que ganará el corazón de los lectores”.

El autor ha señalado cómo ha reunido en esta novela sus temas preferidos, como son la prehistoria, el dibujo y el feminismo.

Más conocido por su seudónimo artístico, Puño vive actualmente en Colombia, donde compagina la escritura con la ilustración, el diseño gráfico, la fotografía y la creación de cómics.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Lapili y Jirafa Rey no son dos frikis: el trasfondo artístico y cultural tras el fenómeno 'Cómeme el donut'

DANIEL G. APARICIO

  • Pilar Robles, Lapili, tiene una amplia formación en danza y moda.
  • La canción ‘Cómeme el donut’ tiene un trasfondo feminista.

Lapili

El pasado viernes, Alejandro y Pilar Robles, más conocidos por el público como Jirafa Rey y Lapili, se convirtieron en los protagonistas del último fenómeno viral español gracias a su interpretación en el programa Factor X del tema Cómeme el donut, una canción que parecía producir cierto rechazo inicial pero que acabó conquistando al público y también al jurado (de hecho fue Risto Mejide quien acabó dándoles el sí definitivo).

Desde entonces muchos los han tachado de frikis y los han comparado con otros personajes peculiares que alcanzaron la fama a través de los talent shows, pero la realidad es que ni estos dos primos son unos payasos ni Cómeme el donut es una tontería hueca sin sentido.

De hecho, uno ya empieza a sospecharlo cuando le presta atención a la letra y escucha frases como “Lo que tú me digas, a mí me patina, lo que hago es difícil como letra china. Adivina quién es la más divina, esto es un nuevo reto pa’ tu retina”. Una breve charla telefónica con Pilar confirma las sospechas.

La joven ha explicado a 20minutos el trasfondo de Cómeme el donut, que está vinculado con su formación en danza. “Nosotros trabajamos mucho la transdisciplina artística: la performance, la filosofía, el happening, las danzas urbanas…, y una de las danzas urbanas en las que yo siempre he estado más interesada y sigo muy conectada es la que viene de la cultura jamaicana, el dancehall, que es un movimiento musical pero que además lleva consigo un contexto cultural”, explica.

“En el dancehall, casi todas las letras tienen un contexto muy homófobo y sexista, y es muy normal que se remarque en la intro que las relaciones tienen que ser de un chico con una chica, que dos chicos o dos chicas está mal, y se valora sobre todo al hombre que no hace sexo oral a la mujer. La mujer está obligada a hacer sexo oral al hombre pero el hombre no debería hacérselo a la mujer porque se considera que se le está cediendo el poder a la mujer y otra serie de tonterías que no tienen mucho sentido, pero ellos lo remarcan todo el rato en las letras”, cuenta la joven.

Lapili, que asegura que ha trabajado con mucha gente de Jamaica y ha conocido a muchos que defienden esa postura, ha debatido innumerables veces sobre el tema. Finalmente, junto a su primo, decidieron sacar adelante Cómeme el donut como una reacción a todo eso.

La unión artística de ambos comenzó en 2015 y parecía algo inevitable. Pilar cuenta que siempre ha sido “muy admiradora del trabajo de Alejandro”. “Él lleva desde muy pequeño metido en la poesía: tiene un montón de poemarios, se le premió en la Bienal de Milán, ha estudiado filosofía y siempre ha estado en el entorno de las humanidades y de la performance“, relata.

Cuando estudiaban, ella siempre le apoyó e sus proyectos y él estaba al tanto de los trabajos de ella en diseño y baile, pero no parecía muy interesado por esto último: “Él era muy serio con todo lo que hacía –¡cómo no iba a serlo vieniendo de estas disciplinas?–, y yo siempre he estado muy relacionada con las danzas urbanas, con el twerk, con el dancehall, con los afrobeats, con danzas muy sensuales… y eso a él al principio no le llamaba mucho”.

Sin embargo, tras la insistencia de su prima, pasó de estar “harto de que le enseñase vídeos de mujeres moviendo el culo” a convertirse en un maestro del twerk, un movimiento que le ayudó a ganarse al público de Factor X.

Eso acabó de unirlos y dio pie a la creación de Glitch Gyals, un dúo artístico muy alejado de la banalidad. “Nosotros a la hora de crear necesitamos un proceso muy largo, una investigación de lo que estamos haciendo. No nos gusta quedarnos en la superficie sino que necesitamos un trasfondo, ir más adentro. Utilizamos muchísimo la experimentación artística y, a partir de ahí, vamos probabndo y desarrollando a través de la creatividad”, cuenta la artista.

Interés por la danza y el diseño

El estilo de la pareja tiene nombre propio y único, glitch (de ahí el nombre del dúo), y tiene su origen en la cultura musical de Pilar. Ella siempre se ha enfrentado a la realidad de que “dentro de las danzas urbanas, aunque no lo parezca, existen muchos purismos. Está muy mal visto que se fusionen danzas, o que no se baila la danza que corresponde a equis estilo de música”.

“Yo vengo bailando desde hace un montón de años muchos tipos de baile diferentes, pero con un estilo muy propio, muy mío, que surge precisamente de haber podido experimentar con los diferentes tipos de danza y haberlas podido unir. Se me veía muy mal dentro de ‘lo académico’, por llamarlo de algún modo. Se me miraba muy mal por hacer este tipo de fusión, y yo hablaba mucho con mi primo sobre esto, y tenerlo a él con todo ese soporte teórico hizo que pudiésemos crear el glitch“, explica.

No es el único prejuicio al que han tenido que hacer frente, también al de apropiación cultural, que es una acusación a la que tanto ella como su primo se han tenido que enfrentar a veces. “Yo no le encuentro mucho sentido. Cuando salió el tema Work, de Rihanna, se presentó como un tema de tropical house, pero el ritmo que tiene ese tema es totalmente de dancehall de Jamaica. Para ella no hubo ningún tipo de repercusión de este tipo porque todo el mundo la adora, pero si por apropiación cultural entendemos estar sacando dinero de una cosa que no es tuya y te estás apropiando de ello, ese sería el mejor ejemplo. Porque, dime tú qué saca por ejemplo una chica de Málaga de trenzarse la cabeza. Al revés, está pagando”, reflexiona.

Otro de los pilares del dúo es la moda, que también corre a su cargo. Ella se encarga del estilismo de varios artistas del panorama underground español, tiene una marca de joyería y está muy volcada en el diseño textil. “Trabajo mucho en el proceso de upcycling, que no se conoce apenas en España pero que consiste en reutilizar materiales que se consideren en desuso y aplicarlos para crear un producto de mayor valor”, cuenta.

“Esto va en torno al tema del reciclaje textil, de que no se siga aumentando el nivel de basura en el planeta. Casi todos somos consciente de todo lo que hay detrás de las industrias textiles masivas. Yo hace muchos años que no consumo ninguna de estas cosas. También se hace una referencia a esto en Cómeme el donut: ‘Voy con mi prima, pero no vamos al Primark'”, detalla.

Lapili hace tapices, inventó un tipo de telar por el que ganó un premio y es la creadora del visón vegano, que consiste en “la elaboración de un abrigo con fibra de junco simplemente con las manos y los medios que nos da la naturaleza, como algo muy primigenio, acercándonos a lo que serían los tejidos de la prehistoria”.

“Hablo de eso, de cómo puede ser que se conserve la primera fibra de lino de la historia, que es de Egipto, y que una camiseta del Zara en dos lavados ya tenga agujeros. O cómo puede ser que en la Prehistoria la gente sabía tejer, como algo lógico, que estaba en la cabeza de todos, y actualmente nadie sabe cómo está hecho un tejido. Trabajo mucho en esa línea”, comenta.

Dentro de poco, esta joven comprometida con el medio ambiente y que reconoce no tener televisión desde hace años, tendrá que hacer una pausa en sus proyectos para volver junto a su primo a Factor X. Ya tienen muy claro lo que harán, aunque no quieren revelar nada. Eso sí, asegura que repetirán “con algo muy potente”. Muy difícil lo tienen para superar el éxito del donut, que ya se postula como una de las favoritas para canción del verano, pero viendo la capacidad creativa de estos primos, todo es posible.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Rag'n'Bone Man encabeza las nuevas confirmaciones del FIB

EUROPA PRESS

  • El artista conquistó a la crítica y al público con su primer álbum, ‘Human’.
  • Completan el cartel Eric Prydz, The Charlatans, Metronomy, Anna Calvi, Pale Waves y Sofi Tukker.

Rag 'n' Bone Man

El Festival Internacional de Benicàssim (FIB), que se celebrará del 19 al 22 de julio, ha anunciado una nueva tanda de confirmaciones para su cartel de 2018 en la que destaca la presencia, por primera vez en esta cita, de Rag’n’Bone Man.

Junto a él, Eric Prydz, The Charlatans, Metronomy, Anna Calvi, Pale Waves y Sofi Tukker también actuarán en el certamen y se unen, así, a los ya anunciados The Killers, Liam Gallagher, Travis Scott, Pet Shop Boys, Two Door Cinema Club, Justice, The Vaccines y Madness.

El FIB destaca el debut en Benicàssim de Rag’n’Bone Man, cuyo “impresionante” primer álbum, Human, ha sido aclamado por el público y la prensa y consiguió ser disco de platino en tan solo tres semanas llenando de intensidad las listas de muchos países.

Por ello, los responsables del festival han animado a los fibers a “no perderse el bautizo de Rory Graham en el FIB“.

También forma parte del listado de nuevos invitados la “impactante” electrónica de Eric Prydz, uno de los productores más solicitados del mundo y es responsable de una de las puestas en escena más impresionantes.

Además, The Charlatans demostrarán, 27 años después de Some Friendly, que siguen evolucionando con su trabajo Different Days y de hits como The Only One I Know, Weirdo o One To Another.

Por su parte, Metronomy se apoderarán del escenario a base de “electropop bailable a mansalva” que llegará de la English Riviera a la costa española, mientras que Anna Calvi brindará su oscuro pop rock matizado de blues, con una pasión que es parte indiscutible de su sello personal.

Pale Waves, una de las sorpresas de 2018, acudirá al FIB con su “magnético” pop; se recibirá al palpitante house del dúo neoyorquino Sofi Tukker; el directo “salvaje” de Tommy Cash; el sonido de guitarras surf y actitud punk de Caroline Rose y el cálido dream pop de los catalanes Desert.

Completan esta oferta “la locura tropical” de los colombianos Meridian Brothers; los “hechizantes ritmos” de los mallorquines Zulu Zulu; Cashmere Cat, que han colaborado con The Weeknd o Ariana Grande; el dj Cedric Gervais; Fried Within y MYD .

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Kristen Stewart, Léa Seydoux y Denis Villeneuve serán jurado de Cannes

EFE

  • Los jueces de la 71ª edición de los premios de cines serán mayoritariamente por mujeres.
  • Entre el 8 y el 19 de mayo, Cate Blanchett presidirá a los miembros.

Kristen Stewart

La actriz estadounidense Kristen Stewart, la francesa Léa Seydoux y el director y guionista canadiense Denis Villeneuve formarán parte del jurado de la 71ª edición del Festival de Cannes, compuesto mayoritariamente de mujeres, según anunciaron este miércoles los organizadores.

El jurado, presidido por la actriz y productora australiana Cate Blanchett, estará integrado también por el actor chino Chang Chen, la guionista y productora estadounidense Ava DuVernay, la compositora de Burundi Khadja Nin, el director francés Robert Guédiguian y el ruso Andréi Zviaguintsev.

En total, cinco mujeres y cuatro hombres de siete nacionalidades y cinco continentes, detalló el festival, que tendrá lugar entre los próximos 8 y 19 de mayo.

Cannes recordó que Seydoux ganó en 2013 la Palma de Oro por La vie d’Adèle (La vida de Adele), de Abdellatif Kechiche, y destacó que otras como Stewart son ya habituales en la Croisette, donde ha presentado On the Road, de Walter Salles (2012), Sils Maria (2014), Personal Shopper (2016), de Olivier Assayas, y Café Society, de Woody Allen.

DuVernay es conocida por su drama histórico Selma, rodado en 2014, Guédiguian alcanzó el éxito con Marius et Jeannette y Zviaguintsev ganó el año pasado en Cannes el premio del jurado con su película Nelyubov (Sin amor).

De Nin se destaca su compromiso humanitario y del intérprete chino la visibilidad internacional lograda tras su participación en Crouching Tiger, Hidden Dragon, de Ang Lee, o Happy Together, de Wong Kar-wai.

En la pasada edición, el jurado estuvo presidido por el director y productor español Pedro Almodóvar y la Palma de Oro fue otorgada a la película The Square, una comedia del sueco Ruben Östlund con trasfondo de crítica social.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Investigan si una obra aparecida en Ferrol es de Banksy

EFE

Supuesta obra de Banksy

Una obra aparecida en una fachada del barrio de Canido, en Ferrol, podría ser la primera del artista Banksy en España, sostiene Eduardo Hermida, promotor de la iniciativa de Las Meninas de Canido, en cuyo contexto se invitó en 2017 al artista británico a participar en sus actividades.

Hermida ha relatado que ha sabido de la aparición de la pintura gracias a una llamada telefónica recibida en la mañana de este martes.

Coincidiendo con la fiesta grafitera en el barrio con la temática de Las Meninas en 2017 se reservó a Banksy la pared de una vivienda de la barriada por si quería sumarse a esta iniciativa para reivindicar la mejora de la zona, que permanecía degradada.

Ha admitido que no será sencillo a corto plazo discernir si la imagen, que retrata a dos agentes de la Guardia Civil besándose, corresponde al autor británico.

Aunque ha indicado que el artista cuenta con soportes en internet donde “cuelga las cosas que va haciendo”, ha confesado que no dispone por el momento de más datos al respecto.

“Desconocemos si la obra aparecida en el espacio reservado a Banksy es original o no“, ha reconocido.

Source: 20′ Cultura

Abr 18

Manu Mart busca la ensencia de Malasia en sus calles

20MINUTOS.ES

  • Para realizar este proyecto fotográfico el artista pasó dos mese en el estrecho de Malaca.
  • La exposición puede verse en el espacio B The Travel Brand Xperience de Barcelona hasta el próximo 12 de mayo.

Fotografía realizada en Malasia por Manu Mart

La World Gallery del espacio B The Travel Brand Xperience de Barcelona nos invita este mes a un viaje a Malasia a través del proyecto fotográfico Who’s Johnny Limm? Crónica desde el estrecho de Malaca, de Manu Mart (Madrid, 1979).

Tomando como punto de partida el libro La fábrica de sedas del escritor malayo Tash Aw, el fotógrafo toma prestado el nombre de su protagonista, Johnny Lim, para preguntarse cuánto sabemos sobre este país e intentar reflejar lo que ha evolucionado desde su independencia en la década de los 60.

Uno de los rasgos más característicos de Malasia es que durante siglos ha sido receptor de diferentes religiones y culturas (llegadas la mayoría a través del estrecho de Malaca) y se ha convertido en un ejemplo de convivencia pacífica, encontrando en su diversidad uno de los pilares fundamentales de su unidad.

Mart, que comenzó su carrera profesional trabajando en agencias y productoras de publicidad, decidió dar salto a la fotografía documental y urbana tras su traslado a Barcelona. En eeste caso capta la esencia del país a través del latido de sus gentes y sus calles.

El proyecto es, a su vez, una colaboración con la Embajada de España en Malasia con motivo de la celebración de los 50 años del inicio de las relaciones diplomáticas entre España y el país asiático y para llevarlo a cabo pasó dos meses viajando por el estrecho.

Mart es miembro de la Fundación Photographic Social Vision, basada en Barcelona, y centrada en fortalecer los valores del fotoperiodismo y la fotografía documental y en el año 2015 Leica Fotografie International le seleccionócomo colaborador de su programa LFI Loanpool que le ha permitido producir sus dos últimas series fotográficas en Asia, ‘Indochine’ (2015) y ‘Who’s Johnny Lim?’ (2016).

Source: 20′ Cultura

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